Kathakali in Kerala

Teatro Kathakali

Kathakali,o teatro sagrado

ORIGEM

Segundo lendas hindus Vishnu reencarnou na terra pela sexta vez na forma de Parasurama, para proteger a supremacia espiritual e social da casta dos Brâmanes. Após inúmeras guerras, ele finalmente resolveu abandonar sua trajetória sangrenta e, em forma simbólica, lançou seu machado ao mar. Com o golpe, a arma caiu no sul da índia e sua violência fez emergir uma faixa de terra a qual Parasurama chamou de Malabar. Para povoar essa terra sagrada, foram levadas famílias de Brâmanes que formaram uma sociedade extremamente religiosa e ritualística. 

Hoje em dia Malabar é chamada de Kerala (a terra dos templos).

O intenso comércio de especiarias e o ouro negro atraiam viajantes de todo o mundo, misturando assim diferentes culturas à forte religiosidade do lugar e o gosto por grandes rituais com a constante presença de elementos dramáticos, fazendo surgir assim a mais rica forma teatral da Índia : O teatro Kathakali.

CARACTERÍSTICAS

É o estilo de dança-teatral mais popular da Índia

É um espetáculo raro, inclusive na Índia. Lá ela acontece após a época das monções, em celebrações religiosas de agradecimento.

É exclusivo para homens

Existe exatamente como visto hoje há pelo menos 400 anos

O teatro-dança de Kathakali recebe inclusive influência das antigas artes marciais de Kerala

Existem muitas passagens com reflexões morais e de sabedoria que sempre são faladas pelos personagens mais importantes e em sânscrito, uma língua que não é mais comum na Índia desde o ano 300 a.C, mas é considerada nobre e sagrada, falada até hoje pelos brâmanes. Enquanto os deuses, heróis e personagens importantes falam no dialeto aristocrático, as mulheres, escravos e personagens menores falam o dialeto da classe baixa. As peças terminam assim como começam: com uma prece.

Não há valorização de expressões ou ações nas peças hindus. A tristeza é representada por uma leve melancolia. Beijar, comer, dormir ou gritar é considerado indelicado.

Como nas peças gregas, havia um freqüente contato entre a Terra e o Céu.

Na Índia não existem palavras distintas para dança e teatro, nem em sânscrito ou em qualquer dialeto falado pelo país. Daí percebe-se o quão profundamente ligadas essas duas artes estão neste país que as vê como um só.

PALCO e MÚSICA

Na Índia acredita-se que todo palco seja sagrado pois é um local escolhido pelos deuses para que se dê a eterna luta entre o bem e o mal. Por o Kathakali ser essencialmente hindu tudo nele é cheio de significados religiosos e realizado como um ritual.

O palco é simples. Á frente usa-se uma lamparina alimentada por óleo de coco.

Por ser ritual, antes da peça começar, o vocalista inicia uma canção invocatória acompanhado por címbalos e percussão.

Durante o ritual de inicialização, um ator permanece por trás das cortinas realizando uma performance .

MAQUIAGEM E FIGURINO

A maquiagem determina, no kathakali a natureza dos personagens.

Cada personagem têm uma roupa e maquiagem específica. Ambos são altamente elaborados.

O ator leva três horas e meia só pra se maquiar e duas horas para se vestir antes de cada apresentação.

AS CORES:

Verde: herói

Bigode, protuberância no nariz ou no centro da testa (Chuttippu): demônio-guerreiro

Bigode branco (veluppu-tadi): personagem Hanuman, do épico Ramayana, que possui boa natureza

Bigode preto (karuppu-tadi): selvagem com características heróicas

Bigode Vermelho (Chokanna-Tadi): características terríveis e destrutivas

Maquiagens onde há o predomínio de preto: moradores das florestas, caçadores e demônios femininos

PERSONAGENS: (3 tipos em geral)

Sattvik (denominado Pacha) - nobre, heróico, generoso e refinado ex: Rama e Krishna

Rajasik (denominado Kathi) - não só heróis e sim pertencentes a classe dos demônios guerreiros ex: Kamsa e Ravana

Tamasik (denominado Kari) - caçadores, moradores da floresta e demônios femininos

ATOR

No kathakali temos então o Ator-bailarino e ainda com características de guerreiro. Devido a influencia religiosa, ator do kathakali é também um ator-sacerdote e, por isso, deve ser capaz de responder cada aspecto da sua vida num equilíbrio constante de sua arte que é sempre regida harmoniosamente pelos elementos.

A formação física destes atores obedece ainda a antiga tradição de guerreiros e artistas marciais de Kerala.

Em nenhuma outra forma teatral do mundo pode-se encontrar tamanha complexidade e precisão na formação técnica do ator quanto no Kathakali.

Para ser ator de Kathakali os pretendentes passam por rigoroso treinamento com dedicação exclusiva, durante anos, quase sob regime militar que começa aos 8 anos. Tudo isso serve para desenvolver uma cadeia muscular antinatural e rigorosamente definida com a finalidade de permitir o intenso fluxo de energia, assim como ter um corpo que suporte essa carga. Há a remodelagem da estrutura corporal do ator com um dia que começa às 4h da manhã com massagens, exercícios físicos e de olhos, treinamento de passos, coreografias e memorização dos textos clássicos e prática de ritmos. As intermináveis repetições associadas à severidade com que os erros são punidos moldam e disciplinam a concentração e a mente. O descanso é quinzenal, porque é obvio que os hindus não têm motivos para guardar o Domingo. Todo o processo é supervisionado por um Guru (que significa aquele que dispersa a sombra).

O indiano Nanda Kumaran levou 17 anos estudando a arte sagrada Kathakali. "Deixei de ser estudante aos 31 anos. Só depois do meu casamento é que o guru me deu permissão para deixar de ser aluno".

"Se o bailarino é aquele que busca o ar, que anseia pelo espaço, pelo etéreo, o ator vai de encontro a terra, que castiga sob seus pés para retirar dela sua energia. Suas mãos buscam o céu e seus pés agarram e excitam aterra. Se a ação do guerreiro é como a do fogo, que destrói enquanto queima, nem bom nem mau, consumindo a si mesmo sem hesitar, o sacerdote se relaciona coma água, com a qual purifica e santifica. Enquanto o fogo guerreiro se move impetuosamente e age buscando cumprir seu papel sem apegos, a água sacerdotal busca a serenidade e, ainda que seja perturbada, sua natureza a guia na direção da paz."

(The Mirror of Gesture: Abhinaya Darpana of Nandikesvara)

"Por ser o Kathakali uma dança sagrada e ritual para os hindus, ela se torna uma ambigüidade por demais complexa para os ocidentais. O ocidente não entende uma arte espiritual. É um povo adiantado materialmente, mas muito atrasado espiritualmente. O Teatro é uma manifestação da alma e por isso requer devoção e fervor, pois é necessário sempre mergulhar profundamente nas coisas às quais nos dedicamos. O ocidente nos pede minerais, água, gases. Mas devemos escavar em busca de petróleo. Porque gases, minerais e água devem ser simplesmente a conseqüência dessa busca. É sempre na intenção do petróleo que devemos escavar o que almejamos. Se eu decidisse doas um milhão de rúpias a alguém, em notas de uma rúpia, eu precisaria de um milhão de notas. Mas se preferisse doar essa quantia em ouro, bastaria um pequeno pedaço e ele teria o mesmo milhão."

(Agandanadam, velho sábio hindu)

 Fonte (http://www.saindodamatrix.com.br/archives/kathakali.htm)

Auto de Natal 2011

O espetáculo “Auto de Natal 2011”, escrito por Vilmar Mazzetto e dirigido por Anthoni Cruz foi apresentado nos dia 09, 18 e 20 de Dezembro.

Mais Fotos http://grupodeteatrobocadecena.blogspot.com/p/apresentacoes.html

O Livro Magico do Bom Atendimento

“O Livro Mágico do Bom Atendimento” o novo espetáculo do Grupo de Teatro Boca de Cena estreou no dia 26 de Novembro na Cidade de Capanema no evento “Destaques 2011” promovido pela Associação Comercial e Empresarial de Capanema.

O tema da produção é o bom atendimento, mostrando a relação entre publico/cliente e o atendente / vendedor. O espetáculo com duração de 40min. trata-se de comédia contada através de situações de vendas satirizadas. 

Mostra das Oficinas de Teatro

Mostra das Oficinas de 

Teatro

Mostra das Oficinas de Teatro de Capanema

Oficina Cortejo Abre-Alas em Florianópolis Sc.

Grupo de Teatro Boca de Cena em Florianópolis

Anthoni Cruz diretor do Grupo de Teatro Boca de Cena participou  da Oficina Cortejo Abre-Alas na cidade de Florianópolis - SC. ministrada pelo Grupo de Teatro Lume de Campinas – SP.  A oficina foi realizada de 25  a 30 de Setembro, no enceramento aconteceu a apresentação do cortejo. 

Oficina de Expressão corporal para Coralistas

 A oficina de Expressão Corporal foi ministrado no II Encoro (Encontro Nacional de Coros Juvenis) aconteceu na cidade de Nova Santa Rosa nos dias 28 e 29 de agosto.

O professor Anthoni Cruz ministrou a oficina para 80 jovens das cidades de Nova Santa Rosa, Pato Bragado, Entre Rios e Capanema, onde dirigiu em parceria com o regente Gerson do município de Nova Santa Rosa as duas ultimas apresentações do grande coro formado pelos participantes do evento.

Teatro Japonês Noh / Nô

Teatro Japonês

Teatro NOH / NÔ

Ameaçado pela ocidentalização que se seguiu à segunda guerra mundial, como todos os valores tradicionais da milenar cultura japonesa, o teatro nô não só resistiu galhardamente como se afirmou, mais além de seu significado histórico, como arte cênica perfeitamente contemporânea.

Nô, que significa "talento" ou "habilidade", é uma tradicional forma teatral do Japão e uma das mais antigas do mundo. Ao contrário do que ocorre no teatro ocidental, em que os atores representam a ação, na peça nô os atores são simples contadores de histórias que usam sua aparência e movimentos para transmitir o drama. A encenação consiste principalmente numa metáfora visual do que numa ação propriamente dita. Os espectadores já conhecem bem o enredo e podem assim reconhecer os símbolos e alusões sutis à história cultural japonesa.

Desenvolvido a partir de formas antigas de danças e dramas religiosos que emergiram por volta do século XII ou XIII, o teatro nô assumiu características diferenciadas no século XIV e aprimorou-se continuamente até o período Tokugawa (1603-1867). Tornou-se um drama cerimonial representado em ocasiões especiais por atores profissionais para a classe guerreira, como uma espécie de prece pela paz, longevidade e prosperidade da elite social. Fora das casas nobres, porém, havia apresentações às quais o povo podia comparecer. A restauração Meiji, em 1868, chegou a ameaçar a existência do nô, mas alguns atores mantiveram suas tradições e, após a segunda guerra mundial, graças ao interesse de grande número de jovens cultos, a forma nô renasceu.

Existem cinco tipos de peças nô. O primeiro, kami (deus), envolve uma história sagrada; o segundo, shura mono (peça de combate), centraliza-se em guerreiros; o terceiro, katsura mono (peça da peruca), tem uma mulher como protagonista (representada por um homem); o quarto tipo, de conteúdo variado, inclui gendai mono (peça do dia presente), no qual a história é contemporânea e "realista", e não lendária e sobrenatural, e kyojo mono (peça da mulher louca), na qual a personagem enlouquece com a perda de um amante ou filho; e o quinto tipo, kiri ou kichiku (peça "final" ou do "demônio"), na qual se representam demônios, animais estranhos e seres sobrenaturais.

Uma peça nô típica é relativamente curta, com poucos diálogos, que servem como simples moldura para o movimento e a música. Um programa nô consta de três peças escolhidas entre os cinco tipos, de modo a atingir tanto a unidade artística como a disposição desejada; invariavelmente, uma peça do quinto tipo encerra o programa. Farsas cômicas (kyogen) são apresentadas como interlúdios entre as peças.

Existem três grandes papéis no teatro nô: aquele que é desempenhado pelo ator principal, ou shite; o do ator secundário, ou waki; e os dos atores kyogen, um dos quais é freqüentemente o narrador da peça nô. Cada um dos papéis é uma especialidade e se filia a escolas, ou tendências, de desempenho. Há ainda outros papéis: atendente, menino, transeunte etc. O acompanhamento se faz por um coro instrumental de quatro músicos, que tocam flauta e três tipos de tambor, e por um coro de oito a dez cantores. A recitação é um dos mais importantes elementos da representação. Cada trecho deve ser recitado de maneira rigidamente estabelecida, assim como os movimentos e danças que o acompanham.

Sobrevivem intactos cerca de dois mil textos nô, dos quais cerca de 230 permanecem no repertório moderno. Muitas das mais belas e exemplares peças nô foram escritas por Zeami Motokiyo e por seu pai, Kanami Kiyotsugu. Zeami também formulou os princípios do teatro nô que guiaram atores por muitos séculos. Seu Kakyo (1424; O espelho da flor) detalha a composição, a recitação, a mímica e a dança dos atores e os princípios de encenação do nô.

   Nôgaku Theatre 

Fonte de pesquisa:
http://www.emdiv.com.br/pt/arte/enciclopediadaarte/2560-teatro-no-e-a-cultura-japonesa.html

Bearinglight Butoh Performance 01/20/08

Kazuo Ohno - mother

sankai juku - butoh dance (buto)

Butoh Performance Iceland Black Box Part 3

SOPRO - LUME TEATRO

Clipe Cnossos LUME TEATRO

Clipe - Shi zen, 7 Cuias / LUME Teatro

Tadashi Endo "MA" by AZATEGUI

IKIRU - Réquiem para Pina Bausch / Tadashi Endo

Pina Bausch on THEATRO TV

Yuyachkani 40 años

Grupo Boca de Cena em Antonina

Anthoni Q Cruz diretor do grupo de teatro AMENAPAC e Grupo de Teatro Boca de Cena, participou do 21º Festival de Inverno da UFPR  que acontece em Antonina, onde pode assistir vários espetáculos de musica erudita, popular e clássica, alem de espetáculos profissionais de teatro e dança, alem de fazer a oficina de teatro “Da Energia a Ação” ministrada por Carlos Simione, ator e fundador do Grupo de Teatro Lume de Campinas – SP. O trabalho desenvolvido na oficina faz parte do processo de criação do trabalho desenvolvido pelo Grupo Lume.

http://www.lumeteatro.com.br/interna.php?id=49

Stanislávski

“ Basta que o ator em cena perceba uma quantidade mínima de verdade orgânica, em suas ações ou em seu estado geral, para que instantaneamente suas emoções correspondam à crença interior na autenticidade daquilo que seu corpo está fazendo.”

(Constantin Stanislávski)

Constantin Stanislavski nasceu na cidade de Moscou em 5 de Janeiro de 1863 e desde muito cedo teve seu primeiro contato com o mundo das artes. Vindo de uma família de comerciantes abastados, seu pai construiu um pequeno teatro dentro de sua própria casa, onde haviam apresentações de peças para o seleto grupo de amigos da família, bem como encontros de intelectuais conhecidos da época.

Aos 25 anos, Stanislavski passa a ser um dos fundadores, junto com Fiédotov dentre outras personalidades, da Sociedade Literária de Moscou, pois havia a necessidade de um estudo mais aprofundado sobre a arte teatral. Apesar de lhe ter proporcionado certo destaque como ator e diretor, este empreendimento já não lhe era mais suficiente, pois a falta de autonomia financeira o estava levando a arcar do próprio bolso com as despesas, fazendo com que deixasse a sociedade.

Quase dez anos mais tarde, após inúmeras trocas de correspondências com o escritor e professor Vladímir Dântchenco, no dia 22 de junho de 1897 ocorre um encontro histórico que influenciaria até os dias de hoje o teatro mundial. Stanislavski e Dântchenco resolvem fundar o Teatro de Arte de Moscou, do qual tem como objetivo a busca de uma unidade teatral, inovando na forma de interpretação dos atores e proporcionando à platéia uma apresentação da realidade nos palcos, quebrando paradigmas pré-impostos, baseando-se em sérios e aprofundados estudos sobre expressão corporal, vocal e técnicas de preparação do ator. Sua vontade não se limitava a querer construir um sistema com verdades absolutas, mas sim criar a acessibilidade aos atores, indagá-los a respeito da capacidade de cada um e de como o trabalho do ator era capaz de atingir o público.

Dentre os vários métodos experimentados neste local, alguns deles foram levados mais afundo, resultando em uma série de exercícios e técnicas dos quais foram chamados mais tarde de “Sistema”, por Constantin Stanislavski.

Após sofrer um ataque cardíaco no ano de 1928, Stanislavski deixa de atuar e passa a se dedicar apenas à direção e formação de atores e diretores. Ele permanece por muito tempo relutando em escrever um livro que pudesse eternizar seus métodos e inspirar outros artistas, mas uma amiga americana chamada Elizabeth Hapgood juntamente com seu marido Norman Hapgood, conseguiram convencer Stanislavski a publicar seu primeiro livro, A Preparação do Ator, em 1936 com tradução em inglês feita pela própria Elizabeth, do qual enfatiza o trabalho interior do ator.

Stanislavski morre no dia 7 de agosto de 1938, na mesma cidade onde nasceu, Moscou, deixando como legado seus métodos, mais tarde publicados em 7 volumes com tradução em inglês, espanhol, francês, italiano, russo e português e em diferentes títulos.

Pressão sem Expressão - 2011- Grupo AMENAPAC .vob

Cuando tú no estás do Seres de Luz Teatro

Vale a assistir, um dos melhores espetáculos que já assisti.

Auto da Paixão de Cristo 2011

Auto da Paixão de Cristo 2011
"Profecias"

Dia 22 de Abril de 2011

Local: Arena de Shows

Horário: 20:30h

Capanema - Pr

Grupo Municipal de Teatro Amenapac
Banda Municipal
Coral Municipal Infantojuvenil Nova Melodia
Coral Municipal Pro Art
Rotaract Club Capanema

Entrada Gratuita

Participe

Achmed - O terrorista morto especial de natal (Legendado) - Parte III

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Atividades 2011

Dia 12 de Janeiro terão inicio as atividades do Grupo de Teatro Boca de Cena

O grupo é responsável pelas aulas das Oficinas de Teatro de Capanema há 4 anos. O Professor Anthoni Quagliotto Cruz ministra as aulas e Dirige o Grupo Municipal de Teatro AMENAPAC.

Ensaio

Apresentação